Arte Abstracto: Qué es, origen, características y tipos

El arte abstracto se aleja de las representaciones más comunes del arte en general, de manera que aleja de su foco de atención el mundo visible, objetivo y real, para focalizarse en elementos y figuras abstractas y subjetivas. El poder de la imaginación jugará, en este sentido, un papel fundamental.

Así pues, en este nuevo post te hablaremos con lujo de detalles sobre el arte abstracto, qué es, dónde se sitúan sus orígenes, cuáles son sus características y sus tipos más importantes.  ¡Vamos a ello!

¿Qué es el arte abstracto?

El arte abstracto, también llamado arte no objetivo o arte no representativo, se trata de una forma de pintura, escultura o arte gráfico en el que la representación de las cosas del mundo visible no juega ningún papel. Todo el arte consiste en gran parte de figuras que pueden ser llamados elementos abstractos de forma, color, línea, tono y textura. Antes del siglo XX, estos elementos abstractos fueron empleados por los artistas para describir, ilustrar o reproducir el mundo de la naturaleza y de la civilización humana, y la exposición dominaba sobre la función expresiva.

En pocas palabras, el arte abstracto es un estilo de expresión usado en pinturas y esculturas que se fundamenta en la representación de figuras que no tienen nada que ver con el mundo real. Este tipo de arte plantea una realidad distinta mediante un lenguaje independiente de formas, colores y líneas.

El arte abstracto se opone al figurativo, el cual se encarga de representar objetos identificables de la vida cotidiana. Es por ello que los expertos afirman que la abstracción no representa cosas concretas, sino que plantea un arte puro, mirando más allá de nuestra realidad.

Origen del arte abstracto

El arte abstracto tiene sus orígenes en el siglo XIX. El período caracterizado por un conjunto enorme de arte elaboradamente representativo producido con el fin de ilustrar anécdotas también produjo un número de pintores que examinaron el mecanismo de la luz y la percepción visual. El período del Romanticismo había propuesto ideas sobre el arte que negaban el énfasis del clasicismo en la imitación y la idealización y que, en cambio, destacaban el papel de la imaginación y del inconsciente como factores creativos esenciales. Poco a poco, muchos pintores de este período comenzaron a aceptar la nueva libertad y las nuevas responsabilidades implícitas en la fusión de estas actitudes. La declaración de Maurice Denis de 1890: «Hay que recordar que un cuadro -antes de ser un caballo de guerra, un desnudo o una anécdota de algún tipo- es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un cierto orden», resume el sentimiento de los artistas simbolistas y postimpresionistas de su época.

Todos los grandes movimientos de las dos primeras décadas del siglo XX, incluidos el fauvismo, el expresionismo, el cubismo y el futurismo, en cierto modo subrayaron la brecha entre el arte y las apariencias naturales.

Sin embargo, existe una profunda distinción entre abstraerse de las apariencias, aunque sea hasta el punto de no ser reconocido, y hacer obras de arte con formas no extraídas del mundo visible. Durante los cuatro o cinco años anteriores a la Primera Guerra Mundial, artistas como Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich y Vladimir Tatlin se entregaron al arte fundamentalmente abstracto (Kandinsky es generalmente considerado como el primer artista moderno en pintar cuadros puramente abstractos que no contienen objetos reconocibles, entre 1910 y 1911). Sin embargo, la mayoría de los artistas progresistas no vieron con buenos ojos el abandono de todo grado de representación. Durante la Primera Guerra Mundial, la aparición del grupo de Stijl en los Países Bajos y del grupo Dadá en Zurich amplió aún más el espectro del arte abstracto.

El arte abstracto no floreció entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Acosado por la política totalitaria y por movimientos artísticos que ponían un énfasis renovado en la imaginería, como el surrealismo y el realismo socialmente crítico, recibió poca atención. Pero después de la Segunda Guerra Mundial una enérgica escuela americana de pintura abstracta llamada Expresionismo Abstracto surgió y tuvo una amplia influencia. Desde la década de 1950 el arte abstracto ha sido un enfoque aceptado y ampliamente practicado dentro de la pintura y la escultura europea y americana. El arte abstracto ha desconcertado y, de hecho, confundido a muchas personas, pero para aquellos que han aceptado su lenguaje no referencial no hay duda de su valor y logros.

Escuela del Expresionismo Abstracto

El Expresionismo Abstracto se trató de un amplio movimiento de la pintura americana que comenzó a finales de la década de 1940 y se convirtió en una tendencia dominante en la pintura occidental durante la década de 1950. Los pintores expresionistas abstractos americanos más destacados fueron Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline y Mark Rothko. Otros incluyeron a Joan Mitchell, Clyfford Still, Philip Guston, Helen Frankenthaler, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, Lee Krasner, Bradley Walker Tomlin, William Baziotes, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Elaine de Kooning y Jack Tworkov. La mayoría de estos artistas trabajaron, vivieron o expusieron en la ciudad de Nueva York.

Aunque es la designación aceptada, el Expresionismo Abstracto no es una descripción exacta del conjunto de obras creadas por estos artistas. De hecho, el movimiento comprendía muchos estilos pictóricos diferentes que variaban tanto en la técnica como en la calidad de la expresión. A pesar de esta variedad, las pinturas del Expresionismo Abstracto comparten varias características generales:

• A menudo utilizan grados de abstracción; es decir, representan formas poco realistas o, en el extremo, formas no extraídas del mundo visible (no objetivo).
• Hacen hincapié en la expresión emocional libre, espontánea y personal, y ejercen una considerable libertad de técnica y de ejecución para alcanzar este objetivo, haciendo especial énfasis en la explotación del carácter físico variable de la pintura para evocar cualidades expresivas (por ejemplo, sensualidad, dinamismo, violencia, misterio, lirismo).
• Muestran una atención especial en la aplicación no estudiada e intuitiva de esa pintura en una forma de improvisación psíquica parecida al automatismo de los surrealistas, con una intención similar de expresar la fuerza del inconsciente creativo en el arte.
• Reflejan el abandono de la composición estructurada convencionalmente construida a partir de elementos discretos y segregables y su sustitución por un único campo, red u otra imagen unificada y indiferenciada que existe en el espacio no estructurado. Y finalmente, las pinturas llenan grandes lienzos para dar a estos efectos visuales antes mencionados tanto monumentalidad como poder absorbente.

Los primeros expresionistas abstractos tuvieron dos notables precursores: Arshile Gorky, que pintó sugestivas formas biomórficas usando una aplicación de pintura libre, delicadamente lineal y líquida; y Hans Hofmann, que usó pinceladas dinámicas y de fuerte textura en obras abstractas pero de composición convencional. Otra influencia importante en el naciente Expresionismo Abstracto fue la llegada a las costas americanas a finales de los años 30 y principios de los 40 de una gran cantidad de surrealistas y otros importantes artistas de vanguardia europeos que huían de la Europa dominada por los nazis. Tales artistas estimularon enormemente a los pintores nativos de la ciudad de Nueva York y les dieron una visión más íntima de la vanguardia de la pintura europea. El movimiento expresionista abstracto en sí mismo se considera que comenzó con las pinturas de Jackson Pollock y Willem de Kooning a finales de 1940 y principios de 1950.

A pesar de la diversidad del movimiento expresionista abstracto, se pueden distinguir tres enfoques generales:

• Uno, la pintura de acción, se caracteriza por un manejo suelto, rápido, dinámico o enérgico de la pintura en pinceladas de barrido o de corte y en técnicas parcialmente dictadas por el azar, como el goteo o el derrame de la pintura directamente sobre el lienzo. Pollock practicó por primera vez la pintura de acción goteando pinturas comerciales sobre lienzo crudo para formar complejas y enredadas madejas de pintura en excitantes y sugerentes patrones lineales. De Kooning utilizó pinceladas extremadamente vigorosas y expresivas para crear imágenes ricas en colores y texturas. Kline usó poderosos y arrolladores trazos negros sobre un lienzo blanco para crear formas marcadamente monumentales.
• El punto medio del Expresionismo Abstracto está representado por varios estilos variados, que van desde las imágenes más líricas y delicadas y las formas fluidas de las pinturas de Guston y Frankenthaler hasta las pinturas más claramente estructuradas, contundentes y casi caligráficas de Motherwell y Gottlieb.
• El tercer y menos expresivo enfoque emocional fue el de Rothko, Newman y Reinhardt. Estos pintores utilizaron grandes áreas, o campos, de color plano y pintura fina y diáfana para lograr efectos tranquilos, sutiles, casi meditativos. El destacado pintor de campos de color fue Rothko, la mayoría de cuyas obras consisten en combinaciones a gran escala de áreas rectangulares de bordes suaves y colores sólidos que tienden a brillar y resonar.

El Expresionismo Abstracto tuvo un gran impacto en las escenas artísticas de América y Europa durante los años 50. De hecho, el movimiento marcó el desplazamiento del centro creativo de la pintura moderna de París a la ciudad de Nueva York en las décadas de la posguerra. En el curso de los años cincuenta, los seguidores más jóvenes del movimiento siguieron cada vez más el ejemplo de los pintores de los campos de color y, para 1960, sus participantes se habían alejado en general de la expresividad altamente cargada de los pintores de Acción.

Características del arte abstracto

A continuación, mostramos las características más importantes del arte abstracto:

• En el arte abstracto se usan muchas formas y colores llamativos sin ningún tipo de cánones, para así escapar a la realidad que estamos acostumbrados y elaborar una realidad nueva.
• Por otro lado, este arte dejó atrás la necesidad de representar objetos de la naturaleza para así abrir una línea de pensamiento más complejo y difuso.
• Para esta corriente artística el espectador debe acercarse a las obras de forma intuitiva, para darle un significado único, lo cual no ocurre muy seguido en el arte figurativo.
• Con respecto a las esculturas abstractas, estas se basan mayormente en el principio de la tridimensionalidad.

Tipos de Arte Abstracto

A pesar de ser un arte que de buenas a primeras no parece tener ningún tipo de orden, a lo largo de los años se han creado vertientes ligeramente distintas dentro del abstraccionismo. A continuación te hablaremos sobre algunas de ellas.

Arte abstracto orgánico

El arte abstracto orgánico se inició a mediados del siglo XX y se caracteriza por la forma de esquematizar las formas sin recurrir al objeto, ya que se sustituye por formas difusas. A su vez, la palabra “orgánico” está asociada a representaciones parecidas que podemos encontrar en la naturaleza; como por ejemplo, formas curvas o figuras geométricas con pocas líneas rectas o ángulos agudos. Sus principales exponentes son: Joan Miró, Henry Moore, Jean Arp e Isamu Noguchi.

Arte abstracto lírico

Ahora, cuando nos referimos al arte abstracto lírico, debemos acotar que es una subcorriente del abstraccionismo que refleja la expresión de las emociones y sentimientos del artista. Adicionalmente, los artistas del abstraccionismo lírico rechazan el hecho de representar la realidad objetivamente, y prefieren usar una técnica para pintar llamada “acuarela”.

Los expertos consideran que el creador de esta subcorriente abstraccionista es Vasili Kandinski,  el cual tiene obras muy interesantes como lo son: Impresión n.º 5, Arco negro, Composición VIII , entre otras.

Arte abstracto geométrico

Esta rama del abstraccionismo, desarrollada a partir de la década de los años 20, está caracterizada por el uso de formas geométricas muy simples que son combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Su principal promotor fue Wassily Kandinsky, quien pintó aproximadamente 159 óleos y 300  acuarelas entre 1926 y 1933.

Expresionismo abstracto

Tal y como hemos señalado en líneas precedentes, el expresionismo abstracto es un tipo de arte abstracto que surge  un tiempo después de la Segunda Guerra Mundial; este fue un período de mucha incertidumbre, que promovió la elaboración de formas de creación desgarradas y llenas de contradicciones, que dejaron de lado por completo la estética de las obras de arte. De hecho, es considerada como una corriente que expresa variaciones de lo apocalíptico, la cual también asume el vacío provocado por la falta de imágenes de referencia, tras el destierro de algunos héroes nacionales.