5.12: Surrealismo (1920-1950)

Introducción

El Manifiesto del Surrealismo de André Breton fue una publicación para un movimiento literario basado en experimentar con la escritura sobre los estados subconscientes o oníricos, el mundo de la imaginación y la irracionalidad. Anteriormente, Dada empleó el desdén del arte tradicional en lugar de interponer letras, fotografías y objetos prefabricados. Dada proporcionó una plataforma para que los surrealistas se alejaran aún más del arte convencional y se adentraran en lo inesperado. Los primeros artistas que experimentaban con el surrealismo eran de múltiples países, creando imágenes diversas y simbólicas que emergen de la mente subconsciente, un lugar de autenticidad superior y ausencia de control. El trabajo surrealista fue tenso y sexual basado en fuerzas psicológicas ocultas en el subconsciente. La mente racional fue suprimida y la imaginación encerrada por los controles sociales. No buscaban el arte en la vida cotidiana real; en cambio, utilizaron los impulsos de la primitiva mente inconsciente.

Sigmund Freud también influyó en el surrealismo con su libro, La interpretación de los sueños. Escribió cómo los sueños revelaban emociones humanas reales y ansias derivadas de la mente interior y su revelación de sexo, violencia y anhelo. A pesar de que abrazaron a Freud, se centraron en el concepto de idiosincrasia en lugar de una visión de locura. Las imágenes son la parte más distinguible del surrealismo, a menudo excéntrica, extraña o desconcertante, destinada a incomodar al espectador y desafiar sus suposiciones generales de imaginería y arte. Los elementos de la naturaleza fueron frecuentemente incluidos en una pintura, colocados en lugares extraños, y yuxtapuestos contra un fondo ilógico. Los primeros artistas experimentaron con el dibujo automáticamente, sin mirar ni pensar en la imagen, dejando que su psique interior funcionara, luego completando la pintura. Algunos de los artistas supuestamente usaban drogas para conectarse con sus mentes internas. En el pasado, las creencias religiosas de la mente fueron fundamentales en la creación de obras maestras notables; para los surrealistas, la liberación de los pensamientos de la mente subconsciente dio lugar a las grandes obras de este período.

El comunismo también fue un concepto influyente para los surrealistas. La mayoría de los artistas eran jóvenes y acababan de vivir la Primera Guerra Mundial y el caos de los líderes mundiales. Los manifiestos del comunismo en la década de 1920 proporcionaban una alternativa razonable, en su momento, a la destructiva sociedad burguesa y a su dominación económica. Muchos de los pintores basaron su trabajo en ideales políticos o luchas y política revolucionaria. Para la década de 1930, con el surrealismo abrazado por pintores de todo el mundo, el movimiento se convirtió en una forma de redefinir los objetos ordinarios en organización o significado informal, trayendo un sentimiento de alienación, una posición común en el mundo moderno. Durante la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas llegaron a Norteamérica para escapar de los nazis y del fascismo, trayendo sus ideas de escapismo e imaginería de ensueño.

Durante la década de 1900, las artistas femeninas lograron el éxito, sin embargo, arriesgando la tendencia a ser eclipsadas por un esposo o amante varón. “... para las mujeres involucradas en el círculo surrealista, la situación era aún más tensa. Los surrealistas estaban fascinados por las mujeres: mujeres hermosas, mujeres locas, mujeres jóvenes, o preferiblemente las tres unidas en la figura ideal de la femme-enfant, la niña-mujer, cuya naturaleza indómita podría ser el conducto a un reino de fantasía e indulgencia”. [1] Los artistas surrealistas masculinos generalmente usaban a las mujeres como símbolo de imprevisibilidad. La mayoría de las artistas femeninas utilizaron diferentes figuras femeninas míticas o históricas para superar sus condiciones imaginadas, figuras con alguna base de poder; una bruja, hada, bruja, duendecillo o sprite.

Max Ernst

Max Ernst (1891-1976) nació en Alemania, cursando la Universidad de Bonn, originalmente estudiando filosofía antes de cambiarse al arte y hacerse amigo de algunos post-impresionistas y dadaístas. Fue reclutado en el Ejército Alemán en la Primera Guerra Mundial y sirvió durante cuatro años. Después de la guerra, Ernst pasó a formar parte del surrealismo temprano con André Breton y colaboró con Salvador Dalí y Joan Miró. A principios de la década de 1930, tuvo espectáculos exitosos en Nueva York antes de regresar a Francia, donde en 1939, Ernst fue encarcelado como enemigo. En 1941, Ernst pudo escapar y se fue con Peggy Guggenheim, con quien se casó. Después de la guerra, se divorció de Guggenheim, se casó con Dorothea Tanning y regresó a Francia.

Ernst utilizó múltiples medios, incluyendo pintura, collage y grabado, enfocándose en las inusuales ideas surrealistas de dibujar automáticamente de la memoria y el subconsciente. Inventó un proceso llamado 'frottage' o 'decalcomania', colocando papel sobre la madera, malla u otra superficie texturizada y frotando la superficie con lápices o crayones, reproduciendo la imagen textural. Cuando Ernst pasó del papel a la pintura, su nuevo método fue el 'grattage'; raspar el lienzo tendido sobre una textura para eliminar el pigmento húmedo y crear diferentes patrones. Creía que la mirada fragmentada de sus collages representaba el desplazamiento metódico de la cultura, los elementos desarticulados en entornos incongruentes. Ernst había luchado en la Primera Guerra Mundial y huyó de la Segunda Guerra Mundial, su obra refleja a menudo la brutalidad subconsciente de la guerra.

Partes del surrealismo se basaron en las insólitas combinaciones de elementos y colores. En Jardin Gobe Avions (5.12.1), Ernst utilizó colores contrastantes de naranjas y azul-gris para establecer la escena desierta. Pintó una yuxtaposición irracional de la percepción de las partes del avión combinada con arreglos florales antropomórficos, una flor de camarón o la flor de caballito de mar. Las características de la configuración están segmentadas en ángulos fuertes de planos similares a paredes o bancos. Ernst estaba fascinado con las aves, incluso considerando su alter-ego una extensión de la metamorfosis anterior del ave en un ser humano. Frecuentemente utilizó imágenes de aves en sus obras, derivadas de sueños. Creía que su pájaro mascota murió mientras yacía durmiendo, y luego nació su hermana.

Su escultura Habacuc (5.12.2) fue un seudo tributo para el profeta judío, Habacuc que condenó a quienes hacían ídolos. Los ojos de la escultura eran parecidos a un bicho, fundidos a partir de una piedra encontrada en el desierto, un tercer ojo en el pie de la figura una percepción de poder visionario. Utilizó macetas para modelar el cuerpo, apiladas de manera que se asemejaran al movimiento.

Gala Éluard fue una inspiración para tres artistas surrealistas como la esposa del poeta Paul Éluard y Salvador Dalí y amante de Ernst. En un momento dado, Éluard, su esposa Gala y Ernst formaron un ménage á trois, viviendo cerca de París. Ernst creó la obra Gala Éluard (5.12.3) basada en una foto de sus ojos tomada por Man Ray. Él le pintó la frente desplegándose, liberando los misterios oníricos de la mente inconsciente. Su uso de frotar sobre una superficie para crear textura es visible en la mitad superior de la pintura.

The Elephant Celebes (5.12.4) se basó en una fotografía que Ernst encontró de un contenedor de maíz sudanés. El título de la obra provino de una rima alemana que comenzó: “El elefante de Celebes tiene grasa pegajosa de fondo amarilla”. [2] El extraño elefante y la figura sin cabeza y otros elementos tienen poco en común, sugiriendo que todos son partes de un sueño centrado en el concepto de libre asociación de Freud.

Salvador Dalí

Salvador Dalí (1904-1989) nació en España después de que su hermano mayor Salvador muriera de meningitis, hundiendo a sus padres en la desesperación. El concepto persiguió a Dalí toda su vida, y Dalí frecuentemente mitologizó sobre su hermano e incluyó el concepto del niño muerto en muchas pinturas. Dalí grabó: “Mi hermano y yo nos parecíamos como dos gotas de agua, pero teníamos reflejos diferentes. Como yo, tenía la inconfundible morfología facial de un genio”. [3] Acudió a una escuela de arte local, su padre incluso montó una pequeña exhibición de dibujos tempranos. En 1922, Dalí se mudó a Madrid y estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Era leve en estatura, vestía inusualmente, y fue percibido como un excéntrico. Cuando artistas en París iban al Louvre a estudiar, Dalí acudió al Museo del Prado a estudiar las grandes obras. Al principio, experimentó con el cubismo hasta que viajó a París en 1926 y conoció a muchos artistas surrealistas, entre ellos Picasso y Míro. A medida que Dalí formaba su versión del surrealismo, muchos pensaban que su obra era alucinatoria basada en la ansiedad sexual y las necesidades subconscientes, a menudo temas extraños o grotescos. También inició una larga aventura con Gala Éluard, con quien finalmente se casó, regresando a Cataluña. En la década de 1930, Dalí pasó de ser una figura significativa en el movimiento surrealista a la expulsión de una enemistad con Andre Breton. En la década de 1940, él y Gala fueron a América, huyendo de la Segunda Guerra Mundial, trabajando en la industria cinematográfica antes de regresar a Cataluña. En la década de 1950, Dalí comenzó su época clásica basada en temas históricos, religiosos o científicos, fuertemente enfocados en el misticismo y las imágenes ilusorias.

La extravagancia y la imaginación dramática de Dalí, junto con sus visiones alucinatorias y paranoicas, le permitieron renderizar las imágenes excepcionalmente poco realistas como si fueran algo que todos reconocieran. La persistencia de la memoria (5.12.5) se basa en la realidad —los acantilados a lo largo de la costa catalana— y se llena de un paisaje onírico inimaginable. Los relojes duros y metálicos en descomposición se pliegan con suavidad, lo que representa el tiempo y la permanencia, perdiendo su sentido. La atroz criatura en el centro es una versión parcial del rostro de Dalí con algo que rezuma de la nariz. Creía que desarrolló su propio “método paranoico-crítico”, cultivando alucinaciones psicóticas autoinducidas para crear arte. “La diferencia entre un loco y yo”, dijo, “es que no estoy loco”. [4]

Dalí pintó Los alojamientos del deseo (5.12.6) en 1929 cuando estaba teniendo una aventura con Gala, aunque ella estaba casada con Paul Éluard. El cuadro refleja las ansiedades sexuales de Dalí por el asunto. Cuando estaban caminando, vio guijarros a lo largo del camino y utilizó los siete guijarros como base para sostener las imágenes para sus visiones. Cortaba pequeñas imágenes de un libro infantil, cada una un símbolo distintivo que presagiaba el futuro; las cabezas de león estaban aterrorizando, la colonia de hormigas simbolizaba la decadencia. Las figuras intercaladas se mezclaron con el color saturado, sumando al surrealismo de las percepciones subconscientes de Dalí.

La tentación de San Antonio (5.12.6) es la interpretación de Dalí de la historia bíblica sobre los viajes del monje por los desiertos del norte de África donde lo confrontan visiones y asaltos. Las batallas alucinatorias y seductoras inspiraron a muchos artistas. Dalí se centró en imágenes del fondo y las atormentadoras criaturas que San Antonio encontró. El plomo, el voluptuoso caballo, y el desfile de elefantes se elevan sobre el acobardado monje arrodillado en la esquina, cruz en mano. Las imágenes eróticas de edificios arquitectónicos fálicos y la mujer desnuda equilibrada sobre el pedestal enfatizan el erotismo y las tentaciones en el desierto. La polvorienta tierra desértica ancla la imagen onírica y el horizonte bajo mientras las figuras y sus largas y exageradas patas fluyen a través del cielo azul. El rinoceronte tenía un interés particular por Dalí; creía que su cuerno representaba la perfección de una espiral logarítmica, la única en el reino animal. Se obsesionó con el rinoceronte a la edad de nueve años y, de adulto, estudió las interpretaciones de otros artistas del animal de gran tamaño. Escribió, “no contento de llevar a la punta su nariz una de las curvas logarítmicas más bellas, pero también en su parte trasera, lleva una especie de galaxia de curvas logarítmicas en forma de girasol”. [5] Pintó muchas imágenes del rinoceronte e incluso escribió una revista llamada Rhinoceros basada en teorías científicas.

El rinoceronte vistido con puntillas (5.12.7) es una escultura masiva creada por Dalí para demostrar la fuerza y virilidad del animal a partir del cuerno y su significado fálico. El rinoceronte estaba vestido con armadura con erizos de mar cuidadosamente equilibrados en su lomo.

Frida Kahlo

Frida Kahlo (1907-1954) nació en México con el nombre Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón; Kahlo es el apellido de su padre y Calderón el apellido materno. Empezó a dibujar cuando era niña, aunque no consideró una carrera artística. A los seis años contrajo polio, provocando una cojera permanente. En 1922, Kahlo fue a la Escuela Nacional Preparatoria para estudiar medicina en la prestigiosa escuela. Desafortunadamente, una colisión de autobús la dejó con múltiples huesos rotos y lesiones internas cuando tenía dieciocho años, dejándola con dolor de por vida. Su recuperación fue extensa, y Kahlo comenzó a pintar mientras yacía en la cama. Después del desastroso accidente, se encontraba en un cuerpo fundido, atada a la cama. La madre de Kahlo colgó un espejo sobre su cama con dosel mientras se recuperaba, y su reflejo se convirtió en el tema principal de su arte a lo largo de su vida. En última instancia, Kahlo utilizó su arte para ayudarla a sanar mientras pasaba incontables días sola en la cama. Posteriormente, se vio obligada a usar corsés ortopédicos, soportó múltiples cirugías de columna y muchos abortos espontáneos. Todo este dolor se reflejó en su obra de arte.

Kahlo creció durante la Revolución Mexicana, una inspiración para su futuro fervor político. Conoció a Diego Rivera, veinte años mayor que ella, en 1927 y se casó con él en 1929, aceptando sus infidelidades. Ambos estuvieron activos en grupos políticos revolucionarios que apoyaban a los comunistas y a otros grupos de protesta. A principios de la década de 1930, Kahlo y Rivera viajaron tanto por México como por Estados Unidos. Su matrimonio fue turbulento ya que ambos tenían múltiples aventuras, incluido el romance de las hermanas jóvenes de Kahlo con Rivera y la bisexualidad abierta de Kahlo. Incluso se divorciaron en 1940 y se volvieron a casar de nuevo. Su salud siempre fue un problema y se deterioró a finales de la década de 1940, finalmente muriendo mientras dormía en 1954, con solo 47 años. Kahlo luchó por ser la esposa mexicana perfecta para Diego y que chocó con su educación multicultural. Una de las obras más célebres de Kahlo, Las dos Fridas (5.12.9), ilustra esta lucha entre llevar un vestido tradicional de tehuana y un vestido victoriano europeo. Terminó el cuadro después de su divorcio de Rivera, un corazón en cada persona. El corazón de la tradicional Frida rasgado y cortado, las tijeras en la mano, la sangre goteando sobre el vestido blanco. Nubes oscuras llenan el fondo sugiriendo la confusión de sus sentimientos.

Kahlo reunió apasionadamente el arte popular mexicano, especialmente juguetes, cerámicas adornadas, textiles coloridos e imágenes religiosas, influyendo en su obra de arte. Su obra reflejaba el arte de México, especialmente el arte popular y las imágenes históricas de las sociedades precolombinas y aztecas, conquistó la cultura mexicana y los tiempos revolucionarios, incorporando la cultura de México a lo largo del tiempo. La obra de Kahlo se desarrolló principalmente en autorretratos o imágenes de sus amigas, todo ello basado en su extraordinaria imaginación. A menudo fue inmovilizada en un yeso y obligada a pintar mientras yacía en la cama. Incluso asistió a su primera exposición, transportada en ambulancia y acostada en una cama con dosel que la galería le instaló, sin tener en cuenta las órdenes de su médico. La obra de Kahlo incorporaba frecuentemente su dolor físico o psicológico junto con la iconografía de imágenes históricas mexicanas. Kahlo también integró motivos de la naturaleza, especialmente follaje de flora y animales locales, agregando un aspecto más realista y orgánico a sus imágenes surrealistas. Llevaba ropa elaborada diseñada al estilo de los trajes mexicanos tempranos, ropa que se veía en sus pinturas. Su dolor y agonía también fueron visibles en su trabajo, su rostro se retorció en una apariencia similar a una mascara, ojos mirando, mientras órganos internos se derramaban de su cuerpo. A ella no le gustaba decir que estaba asociada a ningún movimiento, sólo declarando que era una surrealista basada en su realidad, no en los sueños. Si bien algunos de los impulsos irracionales de los artistas surrealistas son visibles en su obra, Kahlo abre su propia vida y a sí misma como tema principal y preocupación en su obra. Ella declaró: “Ellos pensaban que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté sueños. Pinté mi realidad”. [6]

Muchas culturas utilizaron a los monos como símbolo cultural, generalmente asociado con lascivo y definido como lujuria, una imagen primordial de un hombre en México. No obstante, Kahlo era dueña de un mono araña mascota, incorporándolo a su obra, retratando al mono como un símbolo protector, un animal con su personalidad y alma. En Autorretrato con monos (5.12.10), los monos la rodean, aparentemente protegiéndola de los que están fuera de la pintura. Kahlo comenzó como maestra en una escuela de arte en la Ciudad de México cuando sus lesiones empeoraron, y tuvo que dar clases en su casa, su clase se alejó a la deriva a sólo cuatro alumnos que se quedaron con ella. Muchos creen que incorporó a los cuatro monos en esta pintura para honrar a esos cuatro estudiantes. El fondo está decorado con hojas, un adorno típico en su obra, y un ave del paraíso, una flor que se encuentra comúnmente en México. Kahlo dijo:

“Pinto autorretratos porque estoy muy a menudo solo porque soy la persona que mejor conozco”. [7]

La mayoría de las pinturas de Kahlo incluían elementos de dolor y sufrimiento, una parte continua de su vida ya que se sometió a varias cirugías para su espalda y vestía diferentes corsés rígidos como apoyo. La Columna Rota (5.12.11) recuerda su hospitalización, su espalda rota, su agonía y horrible dolor evidente en la pintura. Utilizó una columna metálica para representar su columna rota; la columna se fracturó en múltiples lugares y aparentemente estaba lista para colapsar. Su cuerpo fue sostenido junto con un aparato quirúrgico mientras las uñas le perforaban la cara y el cuerpo. Su parte inferior del cuerpo está cubierta con una tela que se asemeja a una sábana de hospital. A pesar del dolor, ella mira hacia adelante, un triunfo sobre su situación. La imagen también la demuestra como una mujer joven, aún viable, mostrando las secciones desnudas de la parte superior de su cuerpo. Para crear la pintura, utilizó pinceladas firmes y colores bien definidos.

Kahlo inició Portrait as a Tehuana (5.12.12) en 1940 después de que se divorciara de Diego Rivera, después de diez años de matrimonio y no estaba dispuesta a tolerar más sus asuntos. Ella pintó una imagen de Rivera en su frente, dándole al autorretrato los nombres alternativos de Diego en Mis pensamientos y Pensando en Diego, demostrando su continuo amor por él. Para el autorretrato, vestía la ropa que llevaban las mujeres de Tehuantepec. En su cabeza hay hojas cuyas raíces son similares a una telaraña, quizás tratando de encerrar sus sentimientos por Rivera. Al igual que con otros autorretratos, mantiene la imagen audaz y segura de sí misma, mirando hacia adelante, sus cejas oscuras resaltando la franqueza de sus ojos. Kahlo vestía frecuentemente la vestimenta de las mujeres tehuana, un pueblo prehispánico donde las mujeres realizaban la igualdad con sus homólogos masculinos; las mujeres también tenían fuerza y sensualidad.

En Autorretrato con Collar de Espinas (5.12.13), Kahlo mira directamente al espectador. Un collar de espinas le sofoca la garganta y el pecho con el amuleto de amor negro colibrí, un colgante colgando de las espinas. Sin embargo, este colibrí está muerto en lugar de vivo y colorido. El mono en su hombro tira del collar; las espinas están sacando sangre. Debido a que Rivera le dio un mono a Kahlo, algunos historiadores ven al mono como un símbolo de Rivera infligiendo dolor con las espinas. La imagen está ambientada en un fondo de hojas e insectos, su rostro solemne como si supiera que tiene que soportar el dolor continuo.

Joan Miró

Joan Miró (1893-1983) nació en Barcelona, España, aprendió a dibujar a temprana edad, y asistió a la escuela de arte y a la escuela de negocios. Los cubistas y Fauve lo inspiraron continuamente; sin embargo, su exhibición temprana fue polémica y vanguardista en comparación con el estilo impresionista que la gente esperaba. Cuando Miró se mudó a París en 1920, en un principio, su obra se asemejó al cubismo hasta que quedó influenciado por los escritos de Sigmund Freud y los ideales del surrealismo con su revolución contra el enfoque ortodoxo. No se convirtió en uno de los miembros del grupo surrealista; sin embargo, sí colaboró con Ernst y exhibió su trabajo con los otros surrealistas. Al principio, Miró trabajó con collages antes de pasar a acuarelas, pasteles, litografías e incluso esculturas monumentales de bronce para exhibiciones públicas. Su obra fue pictórica basada en formas geométricas, objetos abstraídos y formas biomórficas, creando su visión catalana de las interpretaciones subconscientes y psicológicas. Su obra se equilibró con el automatismo y la extemporaneidad del surrealismo y la meticulosa representación de sus obras terminadas abstractas.

A Miró le gustaba usar colores llamativos fundados en una paleta limitada, aplicando colores sin mezclar uno al lado del otro con ligeras gradaciones de los colores en los fondos planos. Le gustaba usar colores como poeta usa palabras o notas definidas por compositores para la música. En Papa (5.12.14), utilizó el color prominente del blanco yuxtapuesto contra el cielo azul oscuro y una pequeña mancha de campo. La inmensa figura femenina sostiene sus brazos, su figura ondulada y amorfa sostenida en su lugar por el polo rojo. La figura, que muestra un hilo de chorros de pecho negro y marrón, está rodeada de otras imágenes flotantes; una mujer roja y amarilla que aparece como mariposa o la criatura que sube por la escalera. Con base en el título, una papa real parece estar acuñada en la frente de la figura a medida que los zarcillos crecen hacia arriba, una representación acertada en el surrealismo de la pintura.

Miró regresó a España en 1940, trabajando en su serie Constellation, un conjunto de veintitrés imágenes realizadas a partir de gouache sobre papel durante veintiún meses. Todo el artículo de Constelación hacia el arco iris (5.12.15) está cubierto con formas geométricas negras y rojas, formaciones de reloj de arena, estrellas o formas abstractas, todas conectadas con líneas finas y oscuras, la estrella azul y el triángulo amarillo moviendo al espectador alrededor de la imagen. Miró realizó todas las series con colores brillantes y siluetas espontáneas y alegres, trayendo un escape de las penurias de la Segunda Guerra Mundial. En 1939, dijo a un entrevistador, “comenzó una nueva etapa en mi obra que tuvo su fuente en la música y la naturaleza. Era aproximadamente la época en que estalló la guerra. Sentí un profundo deseo de escapar. Me cerré dentro de mí a propósito. La noche, la música y las estrellas comenzaron a jugar un papel importante al sugerir mis pinturas”. [8]

La escultura de Miró, Lunar Bird (5.12.16), es una criatura híbrida, parte de lunas de media luna, cuernos del toro taurino, o partes de un pájaro. Los brazos sobresalientes aparecen como alas de un pájaro listo para volar mientras las lunas que sobresalen en su cabeza se materializan como cuernos. Frecuentemente utilizó conceptos cósmicos como idea recurrente, uniéndose a la correlación del cielo y la tierra. En la región de Cataluña, las aves y los elementos lunares fueron temas comunes. Miró moldeó la obra a mano para producir una forma más orgánica, creyendo que creó un organismo alucinatorio más realista que no pudo lograr con una pintura.

Remedios Varo Uranga

Remedios Varo Uranga (1908-1963) nació en España. Su nombre original era María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, nombrada en honor a la Virgen de los Remedios, una niña que nació poco después de que su hermana mayor falleciera. Como ingeniera hidráulica, su padre reconoció el talento artístico de su hija y la hizo dibujar sus planes técnicos para aprender perspectiva y formas geométricas. Su vida también estuvo llena de una educación a partir de libros basados en la ciencia, el misticismo, la filosofía y su fe católica, conceptos que se encuentran en su obra de arte. Inicialmente, asistió a la Escuela de Bellas Artes cuando era adolescente. Uranga se casó y pasó poco tiempo en París antes de regresar a Barcelona, un centro para artistas vanguardistas. En 1937, dejó a su marido en España para librar la guerra civil y huyó a París, donde tuvo varios asuntos antes de escapar a México cuando los nazis invadieron París. Uranga permaneció en México el resto de su vida. Durante su carrera temprana, demostró elementos del surrealismo y pasó su tiempo en París con otros artistas surrealistas trabajando como ilustradora para revistas de vanguardia. Durante su periodo anterior en México, el muralismo fue la sede artística dominante, el surrealismo no aceptable. Otros artistas huyeron a México para escapar de la guerra en Europa, formando una colonia de arte local y trayendo ideales cambiantes del arte.

Los estilos alegóricos del arte renacentista estimularon el arte de Varo, conceptos que aportó a sus pinturas surrealistas. Generalmente usaba óleo sobre paneles masonitas preparados, pintando con delicadas pinceladas aplicadas estrechamente uno al lado del otro. Las surrealistas femeninas no fueron aceptadas en el escalón masculino de los artistas. Las artistas femeninas tuvieron que desarrollar diferentes características, y Varo generalmente mostraba imágenes de mujeres en espacios definidos, en su mayoría con figuras andróginas y espirituales. Ascensión en el Monte Análogo (5.12.17) representa a la figura solitaria despertada y comenzando un largo ascenso por la montaña. La figura busca “una flor alpina dorada que solo se pueda recoger si uno no la quiere; una flor que se dice que es la fuente de purificación espiritual, paz interior e inmortalidad”. [9] Los símbolos florales para el refinamiento espiritual y la transformación de la persona. Varo usa el rojo-naranja como el poderoso color de la bata y las alas para actuar como velas. La figura se mueve desde la cueva y mira hacia la montaña; la montaña es un símbolo frecuente de transformación espiritual como conexión entre la tierra y el cielo.

Mujer Dejando al Psicoanalista (5.12.18) retrata a una mujer en el patio, su rostro impreso en la tela de su bata, una cabeza incorpórea que parece estar cayendo en la piscina, poca emoción en su rostro. La canasta debajo de su manto contenía lo que Varo definió como “aún más desperdicio psicológico”. [10] A medida que continúe por el camino de la autorreflexión, perderá más desperdicio. Varo utilizó colores brillantes posicionando el verde oliva contra las paredes amarillo-marrón. El tocado de alas blancas y la cabeza blanca mueven al espectador alrededor de la imagen. Las nubes en ambas imágenes fueron creadas con una técnica llamada soufflage, soplando la pintura sobre lienzo con una pajita, dando una apariencia de otro mundo.

René Magritte

René Magritte (1898-1967), nació en Bélgica; su padre era sastre y su madre una milliner. Su madre padecía una enfermedad mental e intentó múltiples intentos de suicidio antes de finalmente ahogarse en un río. Teóricamente, cuando su madre fue encontrada en el agua, su ropa le cubría la cara. Magritte frecuentemente oscureció el rostro en sus pinturas, concepto de dolor pasado. Estudió en Bruselas en la Académie Royale des Beaux-Arts. Magritte sirvió en el ejército belga durante la Primera Guerra Mundial y se casó después de la guerra. En 1926, comenzó a pintar, y su primera exhibición fue un fracaso, motivándolo a trasladarse a París. Fue amigo de Andre Breton y pasó a formar parte del grupo surrealista y expuso con Ernst, Miró, Picasso y otros surrealistas. Fue influenciado por los escritos de Sigmund Freud, se unió al Partido Comunista por un tiempo y continuó exhibiendo en Estados Unidos y Londres. Magritte regresó a Bélgica, que estuvo bajo ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial. Permaneció en Bruselas el resto de su vida, pintando de manera surrealista a lo largo de su carrera. Pintó imágenes oníricas, a veces similares al automatismo de Joan Miró o a las ilusiones de Salvador Dalí. Magritte dijo: “Si el sueño es una traducción de la vida de vigilia, la vida de vigilia también es una traducción del sueño”. [11]

Magritte pintó escenas relacionadas basadas en temas recurrentes, a menudo con componentes flotantes, un objeto inanimado en una persona, o una pintura dentro de otra pintura. También utilizó una pintura conocida como concepto base y transformó la imagen en una obra surrealista única. Magritte creía que el concepto de la imagen oculta era más importante que las secciones visibles, dejando lo misterioso abierto a la interpretación. El Eternally Obvious (5.12.19) se basó en un prototipo que hizo antes. Pintó la imagen desnuda de su esposa y cortó la obra en secciones, eliminando algunas partes y reensamblando el cuerpo en cinco diferentes unidades autónomas. La pintura aporta la percepción de una hembra al tiempo que deja al espectador para construir mentalmente una figura completa.

La Decalcomanie (5.12.20) fue una comisión de un mecenas para el salón de baile en su casa londinense. De pie frente a un espejo, un espectador esperaría que se reflejara un rostro; en cambio, Magritte reprodujo otra imagen de la parte posterior de la cabeza del hombre. Esta escena deja al espectador preguntarse cómo es el hombre y por qué su reflejo es al revés. El libro que se pone sobre el manto se refleja apropiadamente en el espejo. Magritte utilizó marrones profundos en la pintura, el reflejo en los rostros y collares definiendo a cada persona.

Magritte realizó numerosas versiones de El imperio de la luz (5.12.21), cada una de ellas una escena nocturna de un barrio en una extraña yuxtaposición con el cielo nublado celeste, una extraña paradoja del día y la noche. El pueblo y los árboles un empuje hacia la profunda oscuridad de la noche, las luces se mostraban en las ventanas de las casas, el irracional cielo azul luminoso trayendo una sensación incómoda, todo fuera de contexto. La escena es característica del estilo surrealista de Magritte, una contradicción dentro de la misma escena, desafiando la mente del espectador.

Leonora Carrington

Leonora Carrington (1917-2011) nació en Inglaterra; su padre obtuvo su riqueza en la manufactura. Fue expulsada de diferentes escuelas por mala conducta y educada por numerosos tutores e institutrices, A pesar del desacuerdo de su padre, finalmente fue a la escuela de arte en Londres. Carrington vio las obras de Max Ernst en una exposición surrealista en Londres y se sintió atraído por su obra y por el propio Ernst. Cuando se conocieron en persona, Ernst dejó a su esposa, y él y Carrington se mudaron a Francia, apoyándose mutuamente en las carreras. Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Ernst, un alemán, fue detenido por el gobierno francés como un extraterrestre hostil, liberado por la intervención de sus amigos. Poco después, los nazis invadieron Francia, y la Gestapo detuvo a Ernst como un artista degenerado. Se escapó a Estados Unidos, dejando atrás a un Carrington devastado. Se fue a España y sufrió un colapso mental. Sus padres la tuvieron hospitalizada, y ella fue tratada con medicamentos altamente potentes. Carrington escapó y se dirigió a la Embajada de México, buscando refugio. Durante este tiempo, Ernst se casó y nunca reanudó su relación. Carrington se casó con Renato Leduc, el embajador mexicano, como un matrimonio de conveniencia y una forma de viajar a México bajo inmunidad diplomática. A pesar de que se divorció de Leduc, vivió en México el resto de su vida, casándose de nuevo y teniendo dos hijos. Carrington estuvo activo en el movimiento feminista en México y escribió muchos artículos sobre temas de autoridad masculina o novelas de temática surrealista, entre ellas La vida surrealista de Leonora Carrington o Down Below.

Como hija rebelde, Carrington frecuentemente incluía a una mujer atrapada en situaciones espeluznantes, casas desmoronadas o recintos claustrofóbicos. Podría ser encarcelada por un monstruo o clérigo religioso u otra persona de restricción. Las imágenes son un reflejo de su propia tumultuosa temprana vida. Su pintura, Autorretrato (5.12.22), representa a una figura femenina en una silla con el pelo salvaje y oscuro. Carrington frecuentemente incluyó caballos en sus pinturas como representaciones de la libertad, el caballo su alter-ego. El caballo blanco, su sustituto, corre libre fuera de la ventana, el caballo aficionado en movimiento, sin cola atrapado dentro de la habitación. La habitación está desprovista de cualquier tipo de mobiliario excepto la silla. La hiena baila frente a su mano extendida, imitando su postura. Carrington también utilizó la hiena en sus pinturas y escritos, a menudo sustituta de su imagen. En una historia que escribió, una debutante trajo una hiena al partido para demostrar el poder de las mujeres. Carrington le dijo a un entrevistador: “Soy como una hiena, me meto en los botes de basura. Tengo una curiosidad insaciable”. [12]

En el Mundo Mágico de los Mayas (5.12.23), los personajes se basan en el interés de Carrington por la mitología maya. Las principales figuras alinean el fondo de la pintura como si actores se alinearan en el escenario en una obra de teatro. Carrington se centró en el realismo mágico utilizando imágenes del Popol Vuh, el libro sagrado de los antiguos mayas entremezclado con la mitología celta que utilizó en muchas de sus pinturas. Viajó a San Cristóbal de las Casas para estudiar la cultura maya y luego creó este magnífico mural claramente dividido en tres capas: el cielo, la tierra y el inframundo.

Carrington también realizó múltiples esculturas surrealistas de bronce de gran tamaño (5.12.24) usando sus recurrentes temas animales de hienas, caballos e incluso medio cocodrilos, algunos parecidos a fantasmas o mujeres gigantes, animales alados o un conglomerado de un animal. Todas las esculturas se basaban en folclore o mitos, a menudo en formatos oníricos. No definió el significado de sus esculturas, prefiriendo que los espectadores desarrollaran sus suposiciones y pensamientos cuando observaban su obra.

Marc Chagall

Marc Chagall (1887-1985) nació como Moishe Shagall en Rusia, parte de la extensa comunidad judía de Vitebsk, ahora parte de Bielorrusia. Su padre trabajaba para un traficante de arenques, cargando pesados barriles de pescado por bajos salarios. Chagall solía utilizar peces como motivo en su obra de arte para honrar a su padre. Los judíos estaban confinados a la ciudad bajo el control del gobierno ruso, una de las múltiples aldeas judías. Los pogromos eran una parte regular de la vida, trayendo un miedo continuo a la vida de la gente. Algunos artistas judíos ocultaron o negaron su origen judío, mientras que otros expresaron los conceptos de sus raíces judías, incorporando sus creencias a su obra. Chagall adoptó este último punto de vista y abrazó sus experiencias religiosas en su obra de arte, aunque todavía secular.

El arte de Chagall puede entenderse como la respuesta a una situación que desde hace mucho tiempo ha marcado la historia de los judíos rusos. Aunque eran innovadores culturales, los judíos eran considerados forasteros en una sociedad frecuentemente hostil. El propio Chagall nació en una familia impregnada de vida religiosa; sus padres eran judíos jasídicos observantes que encontraron satisfacción espiritual en una vida definida por su fe y organizada por la oración. [13]

Los niños judíos fueron excluidos de las escuelas públicas y universidades; Chagall se educó en una escuela religiosa local. En la secundaria, su madre supuestamente sobornó a un profesor para que le dejara asistir a la escuela regular. Para aprender a dibujar, copió ilustraciones de libros de biblioteca, desarrollando su interés por el arte. En 1906, Chagall fue a San Petersburgo, el centro del arte ruso, donde asistió a una de las escuelas de arte, estudió los viejos maestros, aprendió estilos de arte contemporáneo y se movió más allá de las imágenes de su pueblo local. También conoció a la mujer con la que se casaría como el amor de su vida. Para 1910, se fue a París, sin poder hablar francés, pero se hizo amigo de otros artistas de vanguardia y asistió a academias. París también se llenó de otros artistas de Rusia, trayendo continuos recordatorios de la patria.

Regresó a Rusia y se casó con su amor, Bella Rosenfeld. Comenzó la Primera Guerra Mundial, y tuvieron que permanecer en Rusia, donde logró el éxito como artista vanguardista. La Revolución Bolchevique siguió al final de la guerra. Debido a que era un artista exitoso en Rusia antes de la revolución, tenía más libertad. Creó una escuela de arte judía, trabajó como escenógrafo para un importante teatro judío, desarrollando nuevos murales para escenografías, género que continuó periódicamente. Para 1923, la vida en Rusia era sombría, la pobreza era la regla, y se mudó de regreso a Francia, viajó por Europa y Medio Oriente, continuando desarrollando su reputación como ilustrador y pintor. A medida que el gobierno nazi crecía y comenzaba a invadir otros países, el chagall judío de alto perfil corría un gran peligro, y él y Bella huyeron a Estados Unidos. Estaba profundamente angustiado por la noticia de la destrucción de su pueblo natal de Vitebsk y la evacuación forzada a los campos de concentración. Su esposa también murió en 1944, y regresó a Francia al final de la guerra.

El Chagall temprano incorporó aspectos del fauvismo y el cubismo en su estilo, luego se trasladó a las imágenes oníricas surrealistas, formas abstractas, híbridas, posiciones desprendidas en yuxtaposiciones inusuales, desarrollando su estilo único. Después de que la esposa de Chagall muriera mientras estaban en América, no pudo pintar durante meses. A Mi Prometida (5.12.25) es un tema que Chagall pintó frecuentemente. La fantástica pintura representa el tema de la bella y la bestia con una mezcla de brazos y piernas. Chagall frecuentemente usaba a un animal como sustituto de una persona, dándole a la pintura una sensación de absurdo ya que el toro de cabeza amarilla está vestido con una túnica roja. Todo es de colores brillantes en la parte media del lienzo, presentando una extraña relación. “Pero tal vez mi arte es el arte de un lunático,... mera plata viva resplandeciente, un alma azul irrumpiendo en mi foto”. [14]

El ángel que cae (5.12.26) es una pintura que Chagall comenzó en París en 1922 y terminó en 1947 cuando regresó a París. Combinó un concepto de la Biblia y la Torá yuxtapuesto en un mundo moderno, un mundo con cambios significativos a lo largo del período en que trabajó en la pintura. Inicialmente, la obra incluyó a un ángel y al judío, representando la exoneración de la manifestación del mal como se describe en el Antiguo Testamento. Sin embargo, en los últimos años, agregó otras imágenes y motivos de su vida rusa, creencias judías, e incluso algunos símbolos cristianos, como el candelabro. Parecida a un candelabro de Shabat, la llama sigue ardiendo, tal vez demostrando la longevidad del judaísmo. El judío sostiene un pergamino de la Torá, mirando hacia el ángel que cae, aparentemente tratando de distanciarse de la destrucción de los tiempos. La cabra en el fondo es un animal Chagall frecuentemente incorporado, probablemente representando a los pequeños pueblos.

Kay Sage

Kay Sage (1898-1963) nació en Nueva York, su padre era rico del negocio maderero y era senador estatal desde hace mucho tiempo. Sus padres se divorciaron poco después de que naciera Sage, y su madre se mudó con Sage a Europa. Su padre continuó apoyándola, y ella cursó escuelas privadas y formación formal en arte. Se casó en 1923 y, durante diez años en Italia, vivió la vida de una socialité que consideró años desechados con poco propósito, luego se divorció de su marido. Sage se mudó a París y se enamoró del surrealismo, la pintura y la exhibición de su obra. También conoció a su próximo esposo, Yves Tanguy, quien era amigo cercano de André Breton. A pesar de que aún estaba casado, Tanguy se separó de su esposa, y tras reunirse con Sage, se divorció de su esposa. Sage tenía mucho dinero de la herencia de su padre y frecuentemente ayudaba a apoyar a otros artistas, a veces acusados de tener una actitud arrogante y considerados una princesa. Cuando Alemania invadió Polonia, iniciando la guerra, Sage regresó a Estados Unidos y ayudó a establecer una comunidad surrealista en la ciudad de Nueva York, completa con exposiciones. Se casó con Tanguy en 1940, y se mudaron de sus estudios a una granja. A pesar de que desarrolló un personaje malhumorado o inaccesible, sí ganó su reputación como artista. Durante su matrimonio, Tanguy fue abusiva; sin embargo, cuando murió en 1955, ella quedó devastada y rara vez pintada después.

El inusual jueves (5.12.27) representa una escena de un paisaje desolado de formas arquitectónicas piramidales en colores beige y sombras profundas de un sol invisible. Una espeluznante forma esquelética se encuentra en primer plano, cubierta en naranja. Los críticos sentían que tenía “una sensación tanto por las cortinas como por las formas arquitectónicas... la obra es vista como 'fuerte y atractiva', y el uso del color' persuasivo '”. [15]

En el Tercer Sueño (5.12.28), muestra su capacidad para desarrollar las imágenes drapeadas y las grandes formas divididas que surgen de la estructura, sobresaliendo a través del paisaje crudo. Nuevamente, Sage utilizó una paleta limitada, dando al blanco la posición primaria y sombras profundas a través de la estructura. Dos pequeñas formas aparecen como edificios; el blanco y las sombras equilibran la forma principal como una pequeña pared roja que atraviesa la estructura que rodea las partes. Al igual que en ambas pinturas, Sage utiliza un cielo plano monótono y despejado con poco cambio desde el horizonte hacia arriba. Ambos tienen un estado onírico surrealista que se encuentra en el subconsciente. Sage dijo: “las cosas son mitad mecánicas, medio vivas”. [16]

Mañana es Nunca (5.12.29) fue pintada luego de que dejó de trabajar cinco meses después de la muerte de su esposo. Sage utilizó las imágenes de los paisajes para representar el subconsciente y los ciclos psicológicos de la existencia. Continuó combinando fondos surrealistas de paisajes con figuras drapeadas, atrapadas dentro de las estructuras enrejadas, despertando posiciones de atrapamiento y desarticulación, los tonos grises melancólicos que se suman a la sensación. La imagen fue su último cuadro importante antes de suicidarse en 1963.

Dorothea Bronceado

Dorothea Tanning (1910-2012) nació en Illinois, asistiendo a la secundaria local y algunos años en la universidad. Quería dedicarse al arte y se mudó a Chicago y luego a Nueva York en 1935, trabajando como ilustradora en la industria de la moda. Una galería local exhibió su trabajo y le presentó a otros artistas surrealistas, entre ellos Max Ernst. A pesar de que Ernst estaba casado, dejó a su esposa y se mudó con Tanning, con quien posteriormente se casó. A lo largo de los años, vivieron en Sedona, Arizona, París y Nueva York. En Sedona, encontró un lugar de vistas únicas, las plantas espinosas, las inmensas rocas rojas, el árido desierto y los cielos azules brillantes. Bronning desarrolló amistades con otros pintores y escritores surrealistas, observando sus métodos mientras ella misma se enseñaba las habilidades necesarias. Muchos de ellos visitaron Ernst y Tanning en Sedona. El bronceado utilizó las técnicas surrealistas características de rasgos meticulosos con pinceladas cuidadosas. Sus primeros años y a través de la Segunda Guerra Mundial fueron sus más productivos. Con el tiempo, también amplió sus estilos para seguir los nuevos métodos y movimientos. El bronceado siempre se interesó por la literatura y la escritura, y más tarde en su larga vida, se centró en escribir, y publicar muchos poemas.

En los primeros años de su carrera, la obra de Tanning fue ejecuciones figurativas más exactas en escenarios oníricos, e historias imaginativas. Bronning quería que los espectadores encontraran lugares ocultos e imágenes transformadas. A ella le encantaba incluir puertas en sus imágenes (y perros), agregando puertas por todas partes; las puertas estaban abiertas, cerradas, dentro y fuera; puertas que conducían a la nada. Muchos pintores surrealistas utilizaron elementos repetitivos para crear un hilo en sus pinturas; las manzanas de Magritte o los relojes de Dalí. Sus puertas traían el misterio, de lo que había detrás de la puerta o a dónde conducía, puertas que aparecían más siniestras que acogedoras.

Eine Kleine Nachtmusik (5.12.30) muestra el pasillo del hotel; las dos chicas vestidas con faldas andrajosas parecen sonambulismo mientras el enorme girasol envía zarcillos amenazantes hacia las chicas. Una de las puertas está entreabierta con la luz encendida, tal vez un refugio para las chicas, una fuga, sin embargo, qué pasaría si entraran a la habitación. Como decía Tanning, “Detrás de la puerta invisible (puertas), otra puerta; más puertas sin duda, nuevas dimensiones, más profundo por la madriguera del conejo”. [17]

El bronceado generalmente usaba figuras femeninas en su pintura. Algunos sienten que pintó sobre su infancia y su familia; sin embargo, afirmó que tuvo una infancia feliz y creía que el enigma era bueno, obligando a los espectadores a explorar más allá de lo que ven. Ella sí cultivó girasoles junto a su casa Sedona y quedó fascinada por su tamaño gigante y lo utilizó para demostrar las fuerzas desconocidas en nuestras vidas, diciendo: “Se trata de confrontación. Todo el mundo cree que es su drama. Si bien no siempre tienen girasoles gigantes (la más agresiva de las flores) con los que enfrentarse, siempre hay escaleras, pasillos, incluso teatros muy privados donde se están reproduciendo las asfixia y las finalidades”. [1] Ángel de la Guarda, (5.12.31) fue pintado cuando Bronning se mudó a un pequeño pueblo desértico en el suroeste y disfrutó de su libertad creativa. Ella cedió a una ilusión entre la realidad y los sueños y dejó correr su imaginación en su lienzo. El cuadro es monocromático con una mancha de rojo en la parte inferior dibujando tu ojo hacia el sueño.

Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, los movimientos vanguardistas cambiaron, y el expresionismo abstracto se convirtió en la última forma, generada por los artistas y simpatizantes surrealistas. Huyeron de Europa por Estados Unidos. El surrealismo trajo un escape del realismo y la manifestación de humor inusual. El movimiento influyó en el surgimiento del arte abstracto, pop art, op art y otras formas de arte expresivo. La influencia del surrealismo continúa hoy en día en las películas, internet, publicidad y la capacidad de expresar espontaneidad y fantasía. Los artistas pueden expresar emociones e innovaciones porque los surrealistas reinventaron y reestructuraron el arte.

El surrealismo inyectó humor obtuso, sueños raros, opiniones religiosas y el subconsciente oculto en el arte. Cada artista estaba interpretando sus extrañas visiones del mundo inusual que se encuentra en su imaginación. El uso del color era importante en la pintura de cada artista, los atrevidos rojos del Chagall, el monótona de Sage, o los contrastes de Dalí. El movimiento fue otro aspecto de sus pinturas, desde el remolino de Bronceado hasta la quietud de Magritte.

[1] Recuperado de https://www.newyorker.com/books/page-turner/leonora-carrington-rewrote-the-surrealist-narrative-for-women

[2] Recuperado de https://www.tate.org.uk/art/artworks/ernst-celebes-t01988

[3] Dalí, S. (1993). La vida secreta de Salvador Dalí, Publicaciones de Dover, p. 2.

[4] Recuperado de https://www.moma.org/collection/works/79018

[5] Recuperado de https://www.thedaliuniverse.com/en/news-dalis-fascination-the-rhinoceros

[6] Recuperado de https://www.sfmoma.org/artist/frida_kahlo/

[7] Recuperado de https://www.fridakahlo.org/self-portrait-with-monkey.jsp

[8] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/490007

[9] Haynes, D., El arte de los Remedios Varo, Temas de ambigüedad de género y significado religioso, Revista de arte de la mujer, Primavera/Verano 1995, 16/1, p. 31.

[10] Derks, M. (2011). Traducción de magia: El lenguaje visual de Remedios Varo, Universidad de Missouri-Kansas City, p.55.

[11] Recuperado de https://www.renemagritte.org/

[12] Wise, S. (2019). Leonora Carrington: A Bestiary, Western Kentucky University, p. 20.

[13] Dallmayr, F. (2020). Marc Chagall El artista como pacificador, Taylor & Francis. Recuperado a partir de https://books.google.com/books?id=Vy3tDwAAQBAJ&pg=PT41&lpg=PT41&dq=Chagall%27s+art+can+be+understood+as+the+response+to+a+situation&source=bl&ots=xxT94FNZmG&sig=ACfU3U3ayX7zxNSIQCxYQL8PcTuF1lIeYg&hl=en&sa=X&ved=2ahUKEwjR8LHepJ7rAhW6GTQIHVAJB2M4 fbdoatajegqichab #v =onepage&q=chagall's%20art%20can%20be%20understood%20as%20the%20the%20respuesta%20a%20a%20situación&f=false

[14] https://www.marcchagall.net/cow-with-parasol.jsp

[15] Suther, J. (1997). Una casa propia: Kay Sage, Surrealista Solitario, Prensa de la Universidad de Nebraska, p. 111.

[16] https://artmuseum.williams.edu/kay-sage-serene-surrealist/

[17] Recuperado de https://lucywritersplatform.com/2019/04/03/dorothea-tanning-at-tate-modern/

[18] Recuperado de https://www.tate.org.uk/art/artworks/tanning-eine-kleine-nachtmusik-t07346